Todos podemos ser Músicos: Defensa de la Música

13. Los Pros y Contras de Tocar en Grupo

La escuela es el lugar donde los niños socializan. ¿Qué puede hacer un profesor cuando necesita instruir a toda una clase? Ponerlos a tocar en orquestas o cantar en coros. No está mal, pero estamos olvidando lo que es importante: cada uno de nosotros antes que nada, es un individuo. Nuestra relación con la música es entonces muy personal. Coros y orquestas son convenientes y accesibles para los educadores. Pero si estamos hablando de educación musical para el bien del alumno, necesitamos pensar en algo más productivo.

Cada persona debe desarrollarse a su propio ritmo, al nivel de sus propias habilidades y según su deseo de trabajar. Lo peor para el desarrollo personal es entorpecerlo con el colectivo. Más importante, los procesos graduales de desarrollo deben ser observados. ¡Tocar en una orquesta para aprender el lenguaje de la música es como actuar en obras de teatro para aprender a leer y escribir! ¡No tiene sentido! Los niños deben primero ser enseñados a leer y escribir para luego leer sus roles y piezas de música en voz alta, y solamente después estarán preparados para tocar como grupo.

La habilidad personal para tocar, leer una pieza por notas o elegir una harmonía en una melodía es la razón por la cual la gente estudia música en primer lugar. Esto es incomparablemente más importante que participar en una orquesta. El logro personal más modesto en familiarizarse con el lenguaje de la música queda en la persona por el resto de su vida, siendo un paso crucial para una continuación motivada para estudiar música.

Tocar en un grupo es el betún del pastel, el resultado de un trabajo constante individual. Es el escenario donde una persona puede promocionar su habilidad de tocar y escuchar a todos los demás. Ya está usando sus habilidades con destreza y puede obtener placer de esto. Del mismo modo coros u orquestas son el resultado de un desarrollo individual.

Por naturaleza, es un estándar que los participantes tengan habilidad. ¡De otro modo se produce una cacofonía colectiva! Este tipo de educación musical en grupo definitivamente inhibe el desarrollo de los niños con talento y en cambio no aporta nada a aquellos niños que todavía necesitan perfeccionar sus habilidades.

Por esta razón, hoy en día el teclado digital (TD a partir de ahora) puede ser el único instrumento musical aceptable en las escuelas públicas. Para clases de grupo, son mucho más efectivos que cantar en un coro o tocar en un instrumento de una sola voz en una orquesta. Son muy adecuados para enseñar a los alumnos el lenguaje de la música. Se pueden usar audífonos, regular el volumen y timbre del sonido, haciendo posible una práctica individual dentro de un grupo. Nunca antes tuvimos esta excelente oportunidad de enseñar a un grupo de niños las habilidades de leer, tocar en un piano y cantar por notas. Pero todo esto es un pez pequeño. Si un TD se conecta a una computadora, ¡entonces el potencial de efectividad que se logra no puede ser imaginado ni en sus más remotos sueños por un educador promedio!

14. El Piano es la Base para la Educación Musical

El piano es el instrumento universal, fundamental y más accesible multi-octavo para aprender el lenguaje de la música. La disposición de las llaves presenta una obvia representación del Gran Pentagrama, haciendo mucho más fácil para un principiante entender la gramática musical.

Ya que es un instrumento melódico y de percusión al mismo tiempo, el TD es el aparato ideal para entrenar el desarrollo del oído y ritmo. Tocarlo no requiere ningún esfuerzo especial a diferencia de los instrumentos de cuerda y viento. Mientras lo toca, el niño puede cantar simultáneamente, desarrollando su voz y dominando una entonación adecuada.

El TD se puede tocar sin afinar, cuando una tecla se toca, se escucha una nota uniforme y limpia, permitiendo al oído desarrollarse sin obstáculo. Mientras lo toca, el estudiante recibe la melodía, harmonía y el ritmo al mismo tiempo. La reproducción de melodía y acompañamiento desarrolla el oído melódico y harmonioso. Cuando enseñamos a nuestros dedos a ‘caminar’ suavemente (legato) o a ‘pisar fuerte’ (staccato), estamos desarrollando todo a la vez, la profundidad de escuchar, el control de la voz, y las sutiles tonalidades del movimiento motor.

Los devotos de los violines, acordeones, flautas y harpas claro que objetarán a esto. Dirán que hay otros instrumentos que son mucho más ‘articulados’ y que expresan mejor las emociones y las sutiles interrelaciones de los tonos, además de que la diversidad es importante y que el instrumento debe ser una cuestión de gusto personal. Sin lugar a dudas esto es verdad. Pero estamos hablando acerca de la habilidad de enseñar en una etapa elemental de desarrollo musical. Aquí el piano no tiene competidores. ¡Mas aún que el TD es más efectivo que un piano normal!

15. Si solamente Mozart hubiera visto un Teclado Digital

Muchos pianistas clásicos miran con desprecio a los instrumentos electrónicos. “Uno debe aprender en un respetable piano acústico o no hacerlo” es su opinión. ¿Y que es lo que tenemos al final? Parece que el público se inclina claramente a tomar la segunda opción. Hay tantos pianos ahí afuera, pero poca gente puede darles buen uso. Aun los dueños de grandes y costosos pianos no los usan y sirven sólo para almacenar polvo.

El tema de los pianos acústicos es delicado. Mucha gente ni siquiera sabe que su piano debe ser afinado cada seis meses, como se recomienda. Abran uno de esos costosos instrumentos y miren adentro – ¡es un desastre! ¡Medio año de clases desafinadas y su oído musical quedará destrozado de igual manera! Además la calidad del sonido de los TD contemporáneos no es mucho peor que sus equivalentes. No necesitan afinarse, el sonido es siempre ideal. Su precio varía y siempre encuentra uno algo razonable según su presupuesto. Un instrumento 5-octavo que cuesta $100 USD es más que adecuado para un principiante. Y lo primordial es que el espíritu de la música aparece en su escuela o en casa – un instrumento que puede ser un buen maestro para sus estudiantes, sus hijos y para usted mismo.

Continuamente se dice que el TD arruina la técnica del alumno. Esto no es verdad. Si usted ha desarrollado coordinación de todos sus dedos y puede controlar libremente ambas manos, se irá usted adecuando a la tensión incrementada de las teclas. Y hablando de esto, el pequeño Mozart aprendió a toca en un clavecín, el cual tiene un ‘toque suave’ igual que el TD. Aunque hubiera un Steinway en su casa, su padre Leopoldo nunca hubiera sentado a su frágil hijo de tres años frente a él, esperando a que tocara libremente con sus pequeños y delgados dedos. La técnica del piano comienza desde el desarrollo del alcance de las manos, la familiarización del ‘territorio del instrumento’ y con el fortalecimiento de la coordinación en general.

Solamente después de esto, cuando el instrumento se convierte en una parte de uno mismo, cuando la coordinación llega a su punto de apoyo, puede uno sentarse frente a cualquier instrumento y ajustar la fuerza con la cual uno toca las teclas y puede uno pulir la calidad del sonido producido.
Los TD contemporáneos son un tesoro para la educación musical. En cada uno de estos instrumentos existe una orquesta completa. Contienen cientos de tonos, ritmos y canciones que son como ‘libros ilustrados’ irremplazables para un principiante en el comienzo de un largo y emocionante viaje. Y cuando tocar leyendo una partitura se convierte en una tarea ordinaria, se comprende que ya ha dejado atrás los ‘libros ilustrados’. ¡Entonces se estará preparado para un piano o violín u otro instrumento! Y solamente entonces el gran piano tendrá un buen uso en lugar de solamente acumular polvo en la sala.

16. ¿Clases de Piano en Escuelas Públicas? ¡Por supuesto!

Solamente la educación pública puede salvar la música.

Aquellos que no son “alfabetizados” musicalmente piensan que saben todo y no tienen nada por lo cual esforzarse. Pero entre más sabe y puede hacer una persona, más posibilidades descubre y lo más tentador es mejorar sus resultados. Si cada niño supiera leer notas con seguridad y tocar las teclas del piano, entonces más niños físicamente capaces, querrían estudiar otros instrumentos a diferencia de épocas pasadas en la historia de la educación musical.

Cada esfera de la actividad humana es como un árbol. Las raíces son el público en general, los especialistas son el tronco y los expertos son las ramas. Y más las raíces se extienden, más fuertes y magníficos se vuelven el tronco y la enramada. El Arte es la comunicación de los que dominan ese arte y el público. Cuando la audiencia está más educada, las creaciones de los expertos se sofistican y se elevan. ¡Es por esto que no hemos producido nuevos Beethovens ni Mozarts en siglos! Si solamente los músicos talentosos tuvieran un público educado, podrían pulir sus obras maestras con entusiasmo y llevar a la música a niveles superiores.

En el panorama actual, ellos se inclinan más a buscar un segundo trabajo para subsistir y alimentar a sus familias.

La alfabetización musical universal es el único modo posible para que la música florezca y se desarrolle como un arte. Nosotros los músicos no tenemos otra opción. ¡Ha llegado el momento de dejar nuestros miedos afuera acerca de la alfabetización musical y transmitirlos a todo el mundo!

Si queremos sobrevivir en el mundo actual y queremos que el arte de la música florezca, debemos hacer todo lo posible para enfrentar la analfabetización musical sistematizada. La salvación de la música ya no depende de nuestras magistrales ejecuciones, ni en nuevas obras maestras, películas interesantes y sabios artículos. La salvación de la música se puede encontrar en salones de clase de escuelas públicas, específicamente aquellos que contienen nuestros futuros conocedores y público, ejecutantes y directores de orquesta y cerca de ellos, futuros presidentes y senadores de los cuales depende el destino de la música.
Cada año que la educación musical no ayuda a los niños a realmente estudiar música, este arte se va más hacia la oscuridad. Solamente si se enseña a cantar y a tocar con notas puede una persona entender el valor de las creaciones de otros músicos. Y solamente ese tipo de persona puede darse cuenta de la importancia de la educación musical.

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He estado desarrollando una cierta hipótesis por varios años. Es muy lógica aunque no puede probarse con evidencia concreta. Es como sigue: El desarrollo del pensamiento musical estimuló el progreso general innovador de la humanidad. La revolución tecnológica del siglo XX no continuó el poderoso torrente de creatividad de los siglos XVIII y XIX por mera coincidencia. La alfabetización musical desarrolló los procesos de pensamiento musical general y éste a su vez definió un nuevo nivel de toma de conciencia científica y de ingeniería. ¡El lenguaje de la música es una abstracción del más alto nivel! La habilidad para memorizar trabajos musicales complicados también se vio reflejada en la esfera técnica. Los lenguajes de comunicación, tanto científico como musical, se desarrollaron simbióticamente justo como dos cuchillos afilándose el uno al otro, liberando chispas de potencial. Cada uno influenció al otro, creando un harmonioso equilibrio de lógica y sentimiento, tiempo y espacio, lo concreto y lo figurativo.

¿Qué fue primero, la música o el pensamiento creativo? ¿Cual emana del otro? Es difícil decirlo. Pero inicialmente hubo un enorme florecimiento del arte musical (Barroco, Clásico, Romántico, Moderno) y sólo después de eso vino la Revolución Industrial. Y ahora estamos alertados: El progreso tecnológico continúa prosperando hasta hoy, mientas que el arte musical está en depresión profunda. Si la música fue la fundación del trabajo creativo, la siguiente etapa es completamente lógica: el proceso del pensamiento humano sin el fortalecimiento del progreso musical se extinguirá. Y la persona que es privada de pensamiento creativo está condenada a decaer.

Los humanos llevamos cientos de miles de años en la tierra, pero no hemos alcanzado a desarrollar un lenguaje musical rico de una sola vez. Los primeros trabajos aparecieron antes de la literatura musical. Pasaron de una regla a otra y eran muy simples y no muy elaborados. La historia no ha preservado con exactitud ninguna melodía, saga o anotación que acompañaba las tragedias griegas. Desde la época anterior a la literatura musical, solamente se ha preservado el folklore – composiciones cortas, limitadas en volumen y planas en sustancia. Piensen, por ejemplo en la canción religiosa “Villancico de las Campanas”. Se trata de un canto folklórico, “Shchedryk” La melodía de cuatro notas fue compuesta simplemente por el gusto de la repetición, y así ha sobrevivido en los pueblos de Ucrania por siglos.

Debido a que no se podía escribir la música no fue posible preservar piezas más complejas con exactitud; fueron cambiando y se perdieron, como arena entre los dedos. La gente constantemente buscaba modos de guardar la notación musical. Intentaron todo tipo de líneas y símbolos. Los Griegos Antiguos usaron letras para escribir los sonidos de la música, los monjes rusos usaron nombres y ganchos, los monjes europeos usaron notación neumática, los cuales son signos individuales que representan diferentes sonidos. Sin embargo todos estos símbolos solamente daban una idea general de la melodía. No podían comunicar las notas exactas, la correlación precisa de la melodía, tampoco la melodía concreta de ritmos. Finalmente en el siglo X un monje benedictino llamado Guido d’Arezzo inventó un pentagrama de cuatro líneas donde colocaba las notaciones neumáticas y junto a ellas marcaba la duración de la nota.

¡Esta fue una verdadera revolución! Si no hubiera sido por esta genial invención, sinfonías, sonatas, operas y ballets no hubieran sido posibles. Solamente de esta manera nuestra conciencia está construida en la apariencia de un lenguaje escrito desde el cual puede desarrollarse. El lenguaje es la captura del pensamiento humano. Después de que una persona escribe una idea, puede examinarla, replantearla, completarla, desarrollarla y lo más importante, transmitirla a los demás.

La alfabetización es el punto focal para el desarrollo de cualquier idea. Cuando la pasamos oralmente prevalece una fuerza centrífuga; uno quiere preservar la fuente, la idea original. Escribir desarrolla la fuerza centrípeta, ayudando a mejorar el original y alcanzar nuevos resultados.
Habiendo aprendido a escribir música, la gente comenzó a estudiar y a desarrollar más allá el lenguaje. Las primeras escuelas se establecieron en monasterios e iglesias. Ahí se examinaron las mejores melodías, se trabajaron y meticulosamente se anotaron. Las composiciones musicales se fueron haciendo más complejas y mejoradas. Los descendientes leían musica de sus padres y añadían algo de ellos mismos. De esta manera, de los Cantos Gregorianos de los monjes, la música Europea llegó a las fugas de Bach, cantatas y misas, y después a las sonatas de Hadyn, Mozart y Beethoven.

El pensamiento musical avanzado no tiene nada que ver con las simples repetitivas melodías y es extraordinariamente dinámico en su propio desarrollo e imaginación. Trabajar con un lenguaje musical avanzado demanda un alto grado de intelecto. Uno necesita desarrollar memoria, mente creativa, concentración, habilidad de concentración en la propia atención, un equilibrio de las percepciones emocionales y abstractas, lógica desarrollada y un sentido de equilibrio entre los hemisferios cerebrales derecho e izquierdo. Debido a esto la idea de que la revolución musical anunció la revolución tecnológica no me parece improbable.

La relación entre sociedad y música puede ser usada como un barómetro de su desarrollo intelectual. La habilidad de escuchar, comprender y apreciar música sinfónica o de ópera es una indicación de que el desarrollo intelectual de una persona ha alcanzado el nivel más alto, un equilibro inmaculado. Esto ocurrió durante la “Edad de Plata” de la cultura, durante la segunda mitad del siglo XIX. En ese tiempo, casi todos los países in Europa producían compositores genios. A partir de ese punto hasta ahora, su música ha sido la encarnación de la perfección, y aún ahora, nadie ha creado una nueva forma de música clásica. Y por supuesto, esto es difícilmente posible: actualmente la cultura musical está languideciendo frente a nuestros ojos.

Después de la Segunda Guerra Mundial, la popularidad de los géneros musicales serios fue descendiendo. La música clásica rápidamente fue sustituida por operetas, musicales y música de baile. En la actualidad, ha perdido su popularidad original. Compositores clásicos contemporáneos son raros y en general la base de oyentes no está familiarizada ni con Schnittke y Shinberg. En nuestros días, la música pop y el rock está en la mente de la mayoría, La música sinfónica al igual que la Ópera es para una reducida élite, cuyos círculos continúan reduciéndose. La música de las masas nos ha devuelto otra vez a la era pre-alfabetizada. La mayoría iletrada musicalmente solamente puede escuchar primitivas melodías, simples y obsesivamente repetitivas canciones. Y acerca de la letra que acompañan esas bandas sonoras - Es preferible ni mencionarlas.

Puedo proponer una prueba de la percepción de la música seria, indicativa de lo que queda de intelecto de la sociedad contemporánea. Inclusive las canciones de Los Beatles eran más avanzadas y refinadas que el pop y rock popular contemporáneo. Durante esos mismos años, desde el inicio de los 70’s hasta mediados de los 80’s algunas músicos intentaron elevar el rock al nivel de la ópera (Jesucristo Superestrella) y de la sinfonía (Pink Floy, King Crimson).

Las grabaciones de audio se han vuelto más accesibles que nunca, ahora que los reproductores digitales se han inventado. Cada persona puede escuchar cualquier música mientras maneja su automóvil o se transporta en bicicleta. La demanda por la alfabetización musical casi ha por completo desaparecido. La música popular continúa simplificándose y su patrón rítmico de 2-3 notas son en esencia prueba de un regreso a la era analfabeta. Entre más progresivos y complejos son los géneros de música, como sonatas y sinfonías, escritos al menos hace un siglo por un reducido círculos de estetas menos personas las comprenden.

Muchos están convencidos que la música pop contemporánea está en un nivel más alto que la música del pasado. Parece que su juicio se basa en la calidad de la grabación, habilidades de los instrumentos electrónicos y efectos de sonido. Pero aquí estamos hablando de música – no de su entorno técnico y acústico. Retiremos la envoltura electrónica de la mayoría de las canciones populares y veamos que hay adentro. Material absolutamente primitivo y carente de interés. ¿No me creen? Intenten tocar estas canciones en el piano. Especialmente las canciones de rap.
Con raras excepciones, la música popular es como las comics del domingo, donde el texto es simplemente un añadido para los dibujos. No ayuda al desarrollo del oído musical, no enriquece el espíritu, tampoco el crecimiento de la creatividad o el intelecto.

Nuestros hijos están creciendo con comics.

¡Si no es Perfecto, Mejor Nada!

En nuestro sitio web subimos algunos videos donde mis alumnos de tres años tocan varias piezas musicales con cierto grado de dificultad, leyendo partituras y tocando con ambas manos ¿Cuál fue la respuesta que recibí de mis colegas? ¡Un montón de airadas críticas! Estaban indignados: los niños no colocaban correctamente las manos, tenían inconsistencias de ritmo y tiempo, no articulaban el fraseo artísticamente y no seguían las dinámicas ¡Por favor díganme por qué alguna de estas consideraciones deberían ser relevantes para niños de tres años de edad! Niños pequeños que todavía no hablan claramente pueden leer la partitura y tocar en el piano usando los diez dedos de sus dos manos. No solamente eso, sino que también tienen confianza y seguridad al hacerlo, como si estuvieran jugando con sus juguetes. Parece que los educadores y profesionales no comprendieron exactamente lo que estaban viendo.

Para aprender a caminar y a correr, primero el niño gatea, luego intenta pararse y cae y a nadie se le ocurre criticarlo por esto ¿de dónde sacan los maestros la idea de que en los primeros pasos, el alumno debe moverse con la gracia de una bailarina de ballet? ¿De dónde viene esa noción completamente antinatural acerca del desarrollo de habilidades? En su opinión, los niños no tienen el derecho de desarrollar una habilidad gradualmente, y debieron nacer con un entendimiento completo de la partitura y la posición cóncava de las manos. Y si el niño de tres años no puede llevar el ritmo y el fraseo, piensan que se le está enseñando incorrectamente ¡Para ellos debe tocar perfectamente o mejor no hacerlo!
¿Cuál es el resultado con este tipo de criterio? La gran mayoría de los niños no toca un instrumento. Yo ya había decidido: ¡Qué importa que mis pequeños no puedan tocar perfectamente! Lo que es más importante es que muchos de ellos pueden tocar, y disfrutarlo Y una vez que ellos pueden desarrollar su coordinación, el lenguaje de la música se hará tan accesible para ellos como sus propios pensamientos.

Después resultó que mis colegas no hubieran podido reaccionar de diferente manera. Hurgando en la historia del desarrollo de la música, descubrí que la pedagogía musical es una de las reliquias más antiguas y dogmáticas del pasado. En ese momento, la ejecución en vivo era una parte importante de las actividades recreativas de las personas. Toda persona respetable aspiraba alcanzar por lo menos algún tipo de educación musical, y aprender a tocar algún tipo de instrumento. Durante esos lejanos tiempos, aquella persona que no tocaba un instrumento musical era considerada inculta. Los genios musicales eran la medida del éxito en educación musical. El pequeño Beethoven fue atormentado durante su niñez por no ser un “segundo Mozart” y le propinaban despiadados golpes cuando cometía errores.

Medio siglo ha pasado y el mundo ha cambiado desde entonces, pero la educación musical continua como antes. La gente pasó a los automóviles, se las ingenió para tener una red mundial satelital, ciberespacio, comercio mundial. En las escuelas, los programas y juegos de computación se han venido usando como apoyo en la enseñanza. Sin embargo, la educación musical se ha estancado como la estirada solterona que gruñe repitiendo, “la práctica hace al maestro” y agita su bastón ante las manos de sus alumnos.

Fue así como me interesé formalmente en la influencia del arte musical en el progreso tecnológico y especialmente en el papel de la pedagogía en el proceso. La apreciable y conservadora manera de la educación musical en general, gradualmente me mostró su verdadera cara, la cual amenaza el desarrollo del arte musical.