Todos podemos ser Músicos: Defensa de la Música

7. Acerca de cómo no Estamos Enseñando el Lenguaje de la Música
Composición e Improvisación


“VISIÓN SOBRE GRADOS DE KINDERGARDEN 2: Durante las tres lecciones, el concepto de Áreas de Ritmo, Melodía, Armonía, Forma, y Tonalidad utilizadas. Las habilidades desarrolladas son Canto, Movimiento, Oído, Tocar Instrumentos. Crear y Analizar, vinculando la música con otras áreas como historia y literatura.”

La Normatividad de Educación de Texas subraya los requerimientos creativos de una clase de música principiante (kindergarden)que deben ser:
Á través de una ejecución creativa, los alumnos aplican las habilidades técnicas expresivas de música y las habilidades de pensamiento crítico para evaluar múltiples formas para resolver problemas...Se pretende que el alumno: cante o toque instrumentos que se encuentren en el salón de clases de forma independiente o en grupo; que cante canciones de diversas culturas y estilos para tocarlas con instrumentos musicales.

Durante este periodo, los alumnos no son introducidos a ningún tipo de notación musical y en cambio se espera de ellos ‘Composición e Improvisación.’

Si se coloca a un pequeño chango frente a un piano, puede verse cómo ‘composición’e ‘improvisación’son conducidas en las escuelas públicas y lo que se puede obtener cuando se pone un carro enfrente de un caballo. Composición e improvisación son las formas con mayor complejidad del trabajo musical. Esta creación independiente de música está en la base de una completa comprensión del lenguaje musical. Composición implica la operación consciente de la lógica musical y la habilidad de pensar en caracteres musicales, aunado a la habilidad para transferir todo eso a la voz, instrumento o notación musical. Improvisación es eso y más: una gran habilidad para dominar un instrumento. Cantar, tocar y escribir la notación musical de numerosas piezas ya sea de memoria y de partituras, así como un sólido entrenamiento de oído y coordinación, son el fundamento de este tipo serio trabajo de música.

Si se piensa de otra manera, un chango que golpea las teclas de un piano sin darse cuenta que es un instrumento musical se podría decir que está “componiendo”e ‘improvisando’ en un típico salón de clases de una escuela pública. La ‘composición’ e ‘improvisación’ que se incluye en las clases de principiantes es igual de inútil que una orquesta de changos. Los niños podrían utilizar el tiempo más productivamente. ¿Qué es lo que el instructor logra enseñando ‘composición’e ‘improvisación’ a aquellos que tienen mínimo control sobre sus acciones? ¿Qué estaban pensando los fundadores del programa, hacer que los niños compongan e improvisen antes de haber aprendido las notas de la primera octava?

Imaginemos que en una escuela elemental donde los niños no han aprendido a leer y escribir, el profesor les asigna escribir un ensayo. ¡Gracias a dios que en realidad, les enseñan primero a leer y escribir! ¿En dónde está el sentido común de la pedagogía musical?

Me gustaría enfatizar mi posición. Sin lugar a dudas la música viva puede ser compuesta de una manera libre o contenida. El jazz, el folklore y las canciones narrativas son géneros serios donde ser letrado musicalmente no es una condición necesaria para dominarlos. Primero que nada, gente extremadamente talentosa que tiene un don natural de composición e improvisación son los que sostienen estos géneros. Segundo, estamos hablando aquí de la manera apropiada para enseñar música a cualquiera, sin considerar el talento.

Además es un hecho que ningún exitoso jazzista o bardo tendría problema dominando el lenguaje musical desde la infancia, si se diera el caso.

La Teoría de la Música

Sección 117.12. Música, Grado 3”… Se espera que el estudiante:… utilice la terminología musical para explicar sonido, música, notación musical, instrumentos musicales y voces, ejecución musical; que identifique formas musicales por oído como AB, ABA y rondó.”

No nos gusta la información no solicitada y rechazamos lo que nos parece inútil. Esto es especialmente verdadero cuando se trata de información que ni siquiera pedimos. Sobre la puerta de nuestra percepción de conciencia cuelga un letrero que dice “No se solicita” Sin embargo, nosotros los educadores tendemos a olvidar esto; nos convertimos en agresivos expedidores de información no deseada aunque no queramos admitirlo. Enrollamos la teoría de la música alrededor del cuello de los alumnos y no nos preocupamos en ni siquiera hacerla más atractiva para ellos.

Es obvio que nuestro llamado es de los más nobles. Dicen que el alumno necesita sin lugar a dudas un entendimiento teórico en el futuro! Pero como sabemos, la percepción del niño no comparte esta visión. La percepción solamente quiere lo que necesita en el momento. ¿Ustedes no me creen?
Imaginemos que están a punto de salir a un largo y complicado viaje. Ustedes, por supuesto, están esperando el día del viaje para comprar un mapa. Pero el guía los reúne con una semana de anticipación y durante una hora les da una lección sobre el camino que deben tomar. Después de eso, ¡les pide que se aprendan las rutas de memoria! No tengo la menor duda de que no recordaran mucho. Su atención es algo variable  después de todo, la lectura no es de ninguna utilidad por el momento. No están yendo a ningún lado pronto, se sienten confundidos y desilusionados del guía, y además es la hora del almuerzo y su estómago ha comenzado a quejarse. Más adelante cuando ustedes se extravíen, ¡naturalmente que pensaran acerca de ese santo guía y se preguntarán por qué no solamente les dio un mapa!

Así exactamente es como se enseña la teoría  los profesores explican la ruta durante las clases. Sin dar un sólo paso en el camino (ya que los niños únicamente aprenden a tocar por ‘composición e improvisación’), ellos no les dan el mapa en sus manos. En cambio les leen largas e imaginativas lecciones y los ponen a prueba reproduciendo cortas grabaciones que deben identificar. ¡La percepción no tiene idea de por qué necesita esta información en ese momento! Se resiste. Esto hace necesario rellenar las clases con la mayor información posible, que es lo que ocupa casi todo el tiempo del maestro.

Es mucho más fácil hacer arreglos para que el mismo alumno quiera saber qué es la Llave de Sol y qué la diferencia de la Llave de Fa. Esto no presenta dificultad. Lo único que tienen que hacer es ‘llenar la alberca de agua’ y enseñar a sus alumnos a nadar. En otras palabras, empiecen con el desarrollo de las habilidades. Las habilidades más importantes son la lectura de las notas de las partituras y cantar por notas. Aquí en realidad, con el crecimiento de la posibilidad, la percepción no requerirá más información, sino que rezará por ella, atrapará cada palabra como si fuera maná caído del cielo!

Se nos ha enseñado que el conocimiento de la terminología es la misma personificación de la literatura musical. Parece que por esto amamos tanto la teoría. La habilidad de pronunciar palabras inteligentes en un sitio es más importante para algunos, que la habilidad de sentarse ante un instrumento y ejecutar algo que valga la pena. Pero miremos los hechos: si una persona no puede tocar una simple pieza de una partitura, ¿es realmente importante para ella saber qué significa Andate sostenuto?

Esto me recuerda mi primer vuelo a Estados Unidos. Llegué a América como una persona “letrada”. Después de haber leído toneladas de libros acerca de la gramática en Inglés y aun saber los diferentes tipos de verbos y las estructuras correctas de oraciones. Resulta que cuando pregunté correctamente a una dama “¿Qué hora es?” su respuesta me confundió. No entendía una sola palabra del torrente que salía de su boca. Fue una importante lección: ¡El conocimiento de las reglas no es lo mismo que la habilidad de hablar y entender! Es importante comunicarse apropiadamente en el lenguaje de la música y entenderlo, no deleitarse en nombres familiares para términos musicales abstractos.

9. Ritmo

¿Por qué enseñamos ritmo? ¡No hay razón alguna para hacerlo! ¿Qué ofrece el ritmo exactamente?

Muchos argumentan que el ritmo es en efecto muy útil: enseña a moverse con la música y a hacerlo de una manera armoniosa. Entiendo que los niños deben de tener más oportunidades para desplazarse y qué mejor que hacerlo con la música  es más placentero. Pero ¿qué hace exactamente el movimiento en general en la educación musical? Mucha gente piensa que estas clases ayudan a desarrollar el oído musical. Esto no es verdad. Un oído musical es la habilidad de escuchar y comprender sonidos. Si esta habilidad no se presenta desde el nacimiento, puede ser desarrollada específicamente con la ayuda de la voz, leyendo notas y escuchando notación musical. Para el movimiento de piernas y brazos, estas son habilidades de coordinación general, específicamente de baile. No tienen absolutamente nada que ver con la comprensión del lenguaje musical.

Existe un canal de percepción detrás de cada tipo de actividad, relacionado con las neuronas del cerebro. Si un niño aprende a marchar con la música, esto improbablemente lo llevará a un mejor entendimiento del lenguaje musical de esta misma marcha. Llevar el ritmo con las manos puede mejorar necesariamente habilidades musculares para tocar algunos instrumentos de percusión como xilófono y guitarra rítmica. Con instrumentos de clave, no ayuda en nada. ¡Los músculos y rutas neuronales responsables de llevar el ritmo con las manos no tienen ningún control sobre el trabajo de los dedos en forma individual de la mano! Tocar una canción en el piano que justo ha sido palmeada rítmicamente conlleva un proceso completamente diferente. El ritmo es más sencillo para las manos y tocar una melodía completa implica una cantidad más complicada de coordinación. Como regla, seguido, las clases de música comienzan con ritmo porque es más sencillo. Esto es lo mismo que querer aprender a manejar, jugando videojuegos de carreras de carros, ya que es más sencillo y menos arriesgado que manejar un carro en realidad.

Cuando se usa el ritmo durante las clases, tratamos de confiar en la memoria musical del alumno. Pero en esencia, todavía no la ha desarrollado. ¡En muchos principiantes solamente ha empezado a formarse! Únicamente una persona con una percepción desarrollada puede tocar en el piano una melodía que ha llevado con ritmo con las manos, o escribir la notación de una marcha que ha marcado con los pies. ¡Pocas personas tienen este talento!

Si alguien quiere aprender a nadar, debe de nadar, ¡no mover sus brazos afuera de la alberca! Para aprender a usar los utensilios correctamente, uno debe usarlos constantemente. Irse con rodeos cuando se trata del desarrollo de habilidades no tiene sentido y además acapara el tiempo.
Llevar el ritmo con las manos, cantar canciones, golpear tambores, marchar con la música  todo exclusivamente enseña a llevar el ritmo, a cantar canciones, a golpear tambores y a marchar con la música. Estas actividades tienen poco que ver con la educación musical real. Cuando termina la escuela, estas habilidades son inútiles. ¿Es usual escuchar a alguien presumir de cómo marchaba con la música y llevaba el ritmo? Aun ahora los profesores desperdician mucha energía en esto. Y todos pagamos millones de dólares por este tipo de clases y pensamos que es dinero bien gastado que salva el arte de la música.

¿Pueden un conjunto de flautas y batería salvar la música? Esta es la pregunta. Las flautas como los instrumentos ruidosos son extremadamente populares en las escuelas, específicamente estos instrumentos son utilizados para enseñar interpretación, y por supuesto, ‘composición’ e ‘improvisación’. ¿Cómo se lleva a cabo? Parece que los escritores de este curriculum lo saben, pero ¡no puedo imaginar cómo ellos pueden hacerlo! Estos instrumentos son los menos adecuados para enseñar la música y su lenguaje.

No estoy en ningún momento en contra del desarrollo de un sentido del ritmo, como no estoy en contra de la batería. En realidad, ¡estoy a favor de ellos! Pero dejemos, de una vez por todas, separar lo que es importante de lo que actúa como acompañamiento. La habilidad de traducir sonidos en notas musicales y viceversa es lo que es esencial para un desarrollo musical efectivo. El ritmo es solamente una parte del contexto musical y no debería ser enseñado fuera de contexto. El desarrollo del ritmo dentro de una orquesta ruidosa ¡crea ritmo en una orquesta ruidosa y nada más!

Y en cuanto a las flautas, son convenientes por dos razones: son sencillas y económicas. Aunque tocando un instrumento como la flauta se puede practicar la memoria y hasta a leer una melodía, es solamente en el modo más primitivo de sólo una voz, únicamente en Clave de Sol y en un minúsculo rango. No se aprenderá mucho acerca de leer notas aquí. También mientras se toca la flauta leyendo una partitura, el alumno no puede cantar acompañando la melodía y desarrollar una voz limpia que pueda cantar afinado.

Respecto a flautas después de la graduación. Solamente para algunos – aquellos que tienen un interés especial en el instrumento y probablemente no necesitan un desarrollo musical, habiendo nacido con ‘talento.’

11. Aprendiendo Canciones

Aprender a cantar canciones es agradable, aunque también es inútil para la educación musical. Igual que las orquestas de instrumentos ruidosos, cantar canciones se incluye como parte importante del curriculum de las escuelas públicas. Conozco una gran cantidad de personas que fueron estrellas del coro de sus clases pero siguen siendo ignorantes cuando se trata de música. Cantar es necesario y útil, pero únicamente si se canta primero la notación musical. Sin hacer esto, cantar no tiene nada que ver con la alfabetización musical, y por lo tanto nada que hacer con aprender música.

Por supuesto, cuando ustedes asisten a un evento de la escuela a escuchar una multitud de canciones interpretadas por su pequeña calabacita, es seguro que se les llenen los ojos de lágrimas. Sin embargo, el semestre entero ha sido desperdiciado en el apiñamiento del analfabetismo musical con estas canciones mientras se pudo haber empleado más productivamente; podrían haber cantado las canciones por notas y haberlas escrito en notación musical. Es posible que ocasionalmente los niños puedan recordar cómo cantaban en el coro, pero ellos no podrán nunca tocar o escribir esa misma melodía.

Aprender a cantar canciones durante las clases de música es lo mismo que aprender poemas escuchando la voz del maestro durante clases de literatura. La memoria del auditorio puede ser desarrollada de esta manera, pero la habilidad para leer, escribir y pensar en el lenguaje de la musica no se está trabajando.

12. Apreciación Musical
El lenguaje de la musica transmite información así como lo hace el discurso humano. De la misma manera, lo percibimos y procesamos con nuestros órganos sensoriales. Entre más corto y simple, más fácil será para memorizar y más velozmente entrará en nuestros nervios después de haberlo escuchado repetidamente.

Escuchar y apreciar un trabajo complicado de música no es una labor simple. Uno debe entender los fragmentos por separado, que son mejor comprendidos por la percepción. Y no es tan simple como saber los temas principales – uno debe ser capaz de recrearlos mentalmente, o cantarlos con la propia voz para verdaderamente apreciarlos. Para ser capaz de hacer esto, la melodía debe ser escuchada tantas veces sean necesarias para memorizarla. A cada nueva vuelta del proceso mental musical, cada tonalidad encuentra su lugar dentro de la conciencia. La forma más sofisticada de apreciación puede llevarse a cabo si uno logra aprender a tocarla en el piano. Debe volverse parte de uno mismo. Y finalmente se puede comenzar a sentir y entender al compositor – su estado de ánimo, sus sentimientos, sus anhelos. ¡Es dialogar con el compositor! Entonces el trabajo es finalmente escuchado.

En la escuela, se va tratando cada compositor, a los cuales se les asigna de una hora a dos del curso. Siempre desde el principio se cuentan bellas historias; acerca de la época de su vida y de la música en general, y después a los estudiantes los ponen a escuchar algunos fragmentos de su trabajo. Estos fragmentos no son memorizados ni nunca se les vuelven a presentar. ¿Es posible que estas clases despierten el interés en la música seria y qué alguno de ellos vaya a buscar más música de este compositor? Excepto raras ocasiones esto no es así.

Si las personas no han sido introducidas a escuchar la música seria, entonces ellas no van a hacerlo para sí mismas. Escuchar y entender música conlleva el mismo esfuerzo de conciencia para una persona como el de leer un buen libro. Y pláticas abstractas sobre libros no van a enseñar a nadie a leerlos.

Un trabajo musical es un teatro entero de imágenes vivas. El compositor no solamente combina algunas melodías; las hace surgir, las transforma, algunas veces las enfrenta una contra la otra y las pone a interactuar como a actores en una obra de teatro. Para hacer derivar el placer de escuchar música, la persona debe captar los giros y cambios del argumento. Sin un buen sentido del oído, memoria y conocimiento del lenguaje musical, no se puede percibir adecuadamente la música compleja, como un niño no puede comprender una plática con palabras desconocidas.

Enseñar a escuchar con conciencia música debería abarcar importante porción de la educación musical. El trabajo que se selecciona para escuchar debe ser estudiado a fondo. Sus temas principales deben ser cantados o ejecutados. Si esto no sucede, entonces las clases sobre música son bla bla blá, inútiles para cualquier tipo de desarrollo musical. Si a una persona no se le da una apropiada educación en música, no se le puede enseñar a entenderla o a apreciarla realmente.